El director mexicano resucita al monstruo m\u00e1s humano del cine en una adaptaci\u00f3n g\u00f3tica, \u00edntima y deslumbrante del libro de Mary Shelley.<\/p>\n\n\n\n
La novela original de Mary Shelley (publicada en 1818) no es solo un texto g\u00f3tico de ciencia y monstruos. Es un tratado existencial sobre la creaci\u00f3n, la responsabilidad, la soledad y la tensi\u00f3n entre el progreso cient\u00edfico y la moral. Shelley formula una pregunta aterradora: \u00bfqu\u00e9 sucede cuando el ser humano, en su arrogancia, quiere jugar a ser dios y dar vida a lo inerte? Desde su g\u00e9nesis, Frankenstein<\/em> ha sido reinterpretado, deformado, idealizado, traicionado, en cientos de homenajes y aberraciones, pero siempre con ese latido central. El del tormento del creador y el desencanto del \u201chijo\u201d rechazado.<\/p>\n\n\n\n Esa carga simb\u00f3lica, sumada a la ambivalencia entre el monstruo y la v\u00edctima, es lo que ha hecho del texto fuente un pozo inagotable para el cine. Ha servido de espejo para preocupaciones rom\u00e1nticas, morales, tecnol\u00f3gicas, y hoy sigue vibrando en el siglo XXI con nuevos miedos: la biotecnolog\u00eda, la identidad y la otredad. Cualquier versi\u00f3n cinematogr\u00e1fica buena debe lidiar con ese n\u00facleo, no solo proyectar efectos llamativos.<\/p>\n\n\n\n La versi\u00f3n cl\u00e1sica de James Whale (1931) con Boris Karloff<\/a> es una de las piedras angulares del cine de terror. Ah\u00ed el monstruo se convierte en icono de la cultura popular. Una figura silenciosa y tr\u00e1gica que ha sido mal interpretada por el mundo. Su lente en blanco y negro, el uso dram\u00e1tico de sombras, el dise\u00f1o sobrio pero poderoso del monstruo y la extremada humanidad que Karloff le imprime redefinieron lo que un \u201cmonstruo\u201d pod\u00eda ser. Whale no inventa todo, sino que bebe del esp\u00edritu rom\u00e1ntico original, pero lo adapta al lenguaje visual del horror cl\u00e1sico.<\/p>\n\n\n\n La secuela Bride of Frankenstein<\/em> (1935)<\/a>, considerada por muchos como superior a su predecesora, profundiza en la mitolog\u00eda del monstruo, le da voz, lo humaniza a\u00fan m\u00e1s, y mezcla horror con una elegancia teatral. En ese equilibrio Whale encuentra algo casi po\u00e9tico. La criatura no es solo un error de la naturaleza, es una entidad con emociones, rechazos, deseos. Yorgos Lanthimos entendi\u00f3 esto muy bien cuando conjur\u00f3 su propia versi\u00f3n femenina de la criatura en Poor Things<\/em><\/a>. <\/p>\n\n\n\n Durante los a\u00f1os 50 y 60, los estudios Hammer reincorporaron las historias de terror cl\u00e1sicas, con Frankenstein<\/em><\/a> incluido, bajo una est\u00e9tica g\u00f3tica, colorida, sexualizada y con un peculiar gusto por lo m\u00f3rbido. All\u00ed el monstruo se vuelve algo m\u00e1s violento, f\u00edsico y cercano al terror visceral. Las versiones de Hammer se alejaban del discurso filos\u00f3fico original y lo convert\u00edan en un espect\u00e1culo de sangre, golpes, gritos y recreaciones del laboratorio demon\u00edaco. Son versiones<\/a> que, en buena medida, degradan lo sublime en lo impactante, pero tambi\u00e9n mantuvieron la llama viva del monstruo en el cine de g\u00e9nero.<\/p>\n\n\n\n Siguiendo la l\u00ednea trazada por Francis Ford Coppola con su versi\u00f3n de Dr\u00e1cula<\/em><\/a>, Kenneth Branagh dirigi\u00f3, adapt\u00f3 y protagoniz\u00f3 una versi\u00f3n<\/a> que buscaba una especie de equilibrio. Respetuosa con la novela, \u00e1vida de dramatismo rom\u00e1ntico y con efectos modernos (para los 90). Es una cinta ambiciosa, pero con muchos altibajos. Algunos momentos son hermosos, otros caen en lo grandilocuentemente excesivo. Lo interesante es que toma la estructura de Shelley casi como un libreto de tragedia rom\u00e1ntica de voces interiores, culpa, arrepentimiento y la mirada sobre el otro. Pero tambi\u00e9n sufre del dilema cl\u00e1sico de las adaptaciones: \u00bfcu\u00e1nta fidelidad mata la vitalidad? En algunos tramos, el peso de la tradici\u00f3n lo aplasta.<\/p>\n\n\n\n Desde hace a\u00f1os, del Toro ve\u00eda a Frankenstein<\/em> como \u201cla pel\u00edcula que alg\u00fan d\u00eda ten\u00eda que hacer\u201d. Su sensibilidad, g\u00f3tica, fant\u00e1stica, cruel y emocional, lo perfilaba como candidato ideal para esa versi\u00f3n h\u00edbrida entre horror y romance sombr\u00edo. Al igual que lo hizo a comienzos de este a\u00f1o Robert Eggers con Nosferatu<\/em><\/a>,<\/em> su adaptaci\u00f3n no llega con \u00e1nimo de competir con versiones anteriores, sino de dialogar con ellas y renovar el mito bajo su propia paleta.<\/p>\n\n\n\n Del Toro, de hecho, hab\u00eda estado involucrado desde 2007 en planes para adaptar Frankenstein<\/em>, incluso firm\u00f3 con Universal un contrato de varias pel\u00edculas, bocet\u00f3 dise\u00f1os, hizo pruebas con Doug Jones para la criatura. Se ha contado tambi\u00e9n que esta versi\u00f3n en principio formaba parte del fallido Dark Universe<\/em><\/a> de Universal, donde Javier Bardem fue considerado para el papel de la criatura. Con los dram\u00e1ticos tropiezos del proyecto, esa idea se desvaneci\u00f3. Luego la producci\u00f3n movi\u00f3 fichas, se consideraron otros actores como Benedict Cumberbatch<\/a> (quien llev\u00f3 a Frankenstein<\/em> al teatro con la direcci\u00f3n de Danny Boyle) y Andrew Garfield, pero finalmente el rol de la criatura recay\u00f3 en Jacob Elordi, ese actor que compite seriamente con Austin Butler<\/a> por el t\u00edtulo de \u201cMejor actor de su generaci\u00f3n\u201d.<\/p>\n\n\n\n Ese camino complejo con el Dark Universe<\/em> abortado y cambios apresurados, es parte de la leyenda que envuelve esta versi\u00f3n. Y quiz\u00e1 explica por qu\u00e9 la propuesta final es tan personal y urgente, porque el director sab\u00eda que deb\u00eda escapar de una zona de producci\u00f3n industrial para entrar en su territorio emocional y visual m\u00e1s \u00edntimo.<\/p>\n\n\n\n Del Toro inicia su cinta de dos horas y media con un pr\u00f3logo en el \u00c1rtico, en el juego de roles entre creador y criatura, cazador y cazado. Esa escena inicial no es ornamental. La pel\u00edcula ya declara que no viajar\u00e1 unidireccionalmente desde el laboratorio hacia el horror. El relato despliega ecos del texto de Shelley con su aislamiento extremo, el monstruo que persigue a su creador hasta el fr\u00edo infinito, y la culpa como motor eterno. <\/p>\n\n\n\n Sin embargo, Del Toro no se limita a recrear los eventos del libro. Su versi\u00f3n se permite alteraciones: conceptos como la maternidad, el abandono y la intrincada relaci\u00f3n entre V\u00edctor con su familia. Aqu\u00ed del Toro hace uso del psicoan\u00e1lisis para evidenciar las heridas parentales que moldean al cient\u00edfico, las cuales adquieren dimensiones dram\u00e1ticas nuevas. La pel\u00edcula no es \u00fanicamente el monstruo contra el creador. Es la tragedia de la herencia, del fracaso del lenguaje emocional y de lo que le sucede al ser creado cuando no hay gu\u00eda espiritual ni \u00e9tica. <\/p>\n\n\n\n Victor Frankenstein no aparece como un mero \u201ccient\u00edfico loco\u201d, aunque en ciertos momentos se desliza hacia lo man\u00edaco, record\u00e1ndonos al Gene Wilder de la parodia Young Frankenstein<\/em><\/a>, sino como un hombre obsesionado con la redenci\u00f3n y con superar la sombra de su padre (Charles Dance). Oscar Isaac, como V\u00edctor, encarna al m\u00e9dico que quiere redimir su propia fragilidad a trav\u00e9s del control de la vida y la muerte. A veces peca de exceso (del Toro lo retrata aqu\u00ed como una especie de rockstar), pero logra mantener el equilibrio entre el hombre atormentado y el genio desequilibrado cuya ambici\u00f3n lo traga. <\/p>\n\n\n\n En paralelo, la criatura pasa por una evoluci\u00f3n cognitiva que Del Toro retrata con delicadeza, consciencia, lenguaje, dolor y resentimiento. No hay prisa: el monstruo se convierte en personaje, no en horror estereotipado. Jacob Elordi compone un monstruo ambiguo y potente que deja al Robert DeNiro de la versi\u00f3n de Branagh en la verg\u00fcenza. Su fuerza f\u00edsica es innegable, pero Del Toro le pide al actor que transmita anhelos, vulnerabilidad de inmenso resentimiento. Hay momentos de silencio que pesan m\u00e1s que cualquier grito. La progresi\u00f3n de su criatura, de inocencia confundida a brutalidad contenida, es uno de los logros m\u00e1s s\u00f3lidos del filme. <\/p>\n\n\n\n Elordi, de hecho, fue elegido por del Toro por \u201csus ojos\u201d y por su capacidad expresiva silenciosa. El actor estudi\u00f3 la danza japonesa Butoh para su expresi\u00f3n corporal y los cantos guturales de Mongolia para incorporarlos a su monstruo. El resultado es una actuaci\u00f3n digna de \u00d3scar.<\/p>\n\n\n\n Mia Goth (Elizabeth) logra un rol m\u00e1s tridimensional de lo esperado. No es solo una figura pasiva, sino la voz moral y espejo del monstruo. Christoph Waltz, como financista o mentor ambivalente, aporta relieve a la red de intereses y ambig\u00fcedades detr\u00e1s del acto creador que solo un actor como \u00e9l puede brindar. Las interacciones familia, ciencia y emoci\u00f3n est\u00e1n bien tejidas. Del Toro explora conflictos paternos (el padre de V\u00edctor, su educaci\u00f3n, la relaci\u00f3n con su madre y su hermano), las traiciones afectivas y el abismo entre lo que se crea y lo que se abandona.<\/p>\n\n\n\n Sin embargo, es en el dise\u00f1o de producci\u00f3n de Tamara Teverell donde la cinta verdaderamente deslumbra. Estamos ante una golosina visual que duele que no se vea en una sala grande de proyector, oscuridad y sonido. El dise\u00f1o de la criatura, una amalgama de placas que parecen tect\u00f3nicas, con un torso que evoca fracturas f\u00edsicas, es poderoso, determinante. Su anatom\u00eda dialoga con la herida interior. <\/p>\n\n\n\n Del Toro trabaja con el director de fotograf\u00eda Dan Laustsen su paleta favorita: rojos intensos, verdes demon\u00edacos y sombras profundas. La sinfon\u00eda visual es casi musical. Visualmente densa, simb\u00f3lica y sin concesiones. Las escenas del laboratorio, los viajes en barco, los cuerpos congelados, las improntas familiares, todo comunica algo. En particular, el uso del color para marcar transiciones emocionales (vida, muerte, \u00e9xtasis y devastaci\u00f3n) es magistral.<\/p>\n\n\n\n El vestuario de Kate Hawley no es ornamentaci\u00f3n sino tejidos y cortes trasl\u00facidos que dialogan con la carne. Los escenarios (invernales, del castillo y del laboratorio) no son decorados pasivos, sino entidades que oprimen y susurran. La m\u00fasica de Alexandre Desplat, algo intrusiva y edulcorada, no pretende aterrorizar con golpes sonoros, sino acompa\u00f1ar los sollozos del coraz\u00f3n creador y la agon\u00eda del rechazado. Es as\u00ed como se convierte en contrapunto emocional, y no en simple ruido o papel tapiz. <\/p>\n\n\n\n Como sucede con su maravillosa versi\u00f3n de Pinocho<\/em><\/a>, que bien puede pensarse como pieza de compa\u00f1\u00eda de Frankenstein<\/em>, Del Toro no elude lo filos\u00f3fico y lo espiritual. En su versi\u00f3n, se retoma la versi\u00f3n moderna del mito de Prometeo planteada por Shelley, quien roba el fuego de la creaci\u00f3n pero debe afrontar el costo. M\u00e1s all\u00e1 de ello, las preguntas recurrentes de esta cinta son las de qui\u00e9n merece ser amado y qui\u00e9n decide el valor de la existencia. La criatura no es monstruo por nacimiento, sino por abandono, por la incapacidad del mundo de verlo.<\/p>\n\n\n\n Del Toro tambi\u00e9n introduce la herida familiar como motor. V\u00edctor no solo crea, tambi\u00e9n repite. Tiene fantasmas parentales que lo persiguen, una relaci\u00f3n rota con su padre, una rivalidad pendiente con su hermano menor William (Felix Kammerer) y un vac\u00edo emocional que busca llenar con ciencia. Esas fallas humanas son m\u00e1s monstruosas que su creaci\u00f3n.<\/p>\n\n\n\n La dimensi\u00f3n rom\u00e1ntica no se olvida. La criatura demanda amor y exige reconocimiento. Elizabeth aparece como puente entre los dos mundos. Su deseo por V\u00edctor y su compasi\u00f3n y empat\u00eda por el otro. Asimismo, Del Toro nos vuelve a decir que los monstruos no solo est\u00e1n afuera del ser humano, sino que muchas veces viven dentro de nosotros en nuestras ambiciones desmedidas, en nuestro abuso del poder y en la indiferencia hacia el otro. Esa reversi\u00f3n moral, esa inversi\u00f3n de las definiciones cl\u00e1sicas de monstruo y humano, es el gran aporte del filme.<\/p>\n\n\n\n No todo es impecable. Hay momentos donde la narraci\u00f3n se ralentiza bajo el peso de la mitolog\u00eda autoimpuesta del acto de explicaci\u00f3n, la reconstrucci\u00f3n del pasado y algunas decisiones de trama que responden m\u00e1s al melodrama que a la tensi\u00f3n. Se siente que Del Toro quiere abarcar mucho (filosof\u00eda, espect\u00e1culo, emoci\u00f3n y horror) y en algunos tramos esa pluralidad lo exige.<\/p>\n\n\n\n En algunos pasajes el balance entre horror y poes\u00eda resulta delicado. Ciertas secuencias visuales buscan \u00e9pica con poco sustento emocional, quedando grandiosas pero sin aterrizaje, un pecado recurrente en el cine del director, como sucede tambi\u00e9n con su colega Tim Burton.<\/p>\n\n\n\n Otro riesgo es la comparaci\u00f3n. Inevitablemente el filme se mide con lo gestado por Whale, Fisher, Branagh e inclusive Mel Brooks. Del Toro elige no imitar, pero tambi\u00e9n se apoya en elementos referenciales. El problema surge cuando esos gui\u00f1os distraen en lugar de complementar. A veces la admiraci\u00f3n al cine antiguo pesa m\u00e1s que el propio impulso, y uno se pregunta si no habr\u00eda escenas que pudieran permitirse m\u00e1s silencio y menos reminiscencia.<\/p>\n\n\n\n Finalmente, como muchas pel\u00edculas modernas de gran escala, el paso de lo \u00edntimo a lo espectacular no siempre es cien por ciento org\u00e1nico. Hay momentos en los que la ambici\u00f3n visual arrastra el ritmo, y la emoci\u00f3n interna queda supeditada al gesto.<\/p>\n\n\n\n De todas maneras, Frankenstein<\/em> de Guillermo del Toro es una obra que se siente como un grito largamente contenido. Es, en todos los sentidos, la pel\u00edcula que el director ten\u00eda que hacer alguna vez, tan personal como monumental. Redefine el mito de Shelley para este momento, pero lo hace desde dentro, con sangre, con l\u00e1grimas y belleza. <\/p>\n\n\n\n Este Frankenstein<\/em> tiene audacia, coraz\u00f3n y una criatura que no quiere matar sino existir. Elordi, Isaac, Goth y Waltz ofrecen actuaciones memorables, al servicio de una historia que respira en sus silencios. Puede que no supere a Whale en eternidad, pero aporta algo distinto. Una humanidad monstruosa que duele y reverbera mucho despu\u00e9s del \u00faltimo fotograma.<\/p>\n\n\n\n Que esta cinta no pueda apreciarse en una gran pantalla es algo doloroso y resta parte de su vasta experiencia. Est\u00e1 pensada para ser devorada en la oscuridad, con volumen potente, con el espectador absorbido por el misterio visual. Es una l\u00e1stima que su magia est\u00e9 limitada por las ventanas estrechas de las plataformas de streaming.<\/em> Al igual que Roma<\/em><\/a> de Alfonso Cuar\u00f3n, Frankenstein<\/em> de Guillermo del Toro merece ser vivida en sala.<\/p>\n\n\n\n